Дизайн: выставка в MoMA показывает Латинскую Америку в современном мире 20 века

Лина Бо Барди, великий итало-бразильский архитектор, любил говорить, что все мы изобретаем архитектуру, просто поднимаясь по лестнице, входя в комнату, открывая дверь или садясь на стул. Все эти "маленькие жесты", говорила она, вместе с предметами, которые они подразумевают, богато наделены смыслом и памятью: "Дизайн - это жизнь. Жизнь - это дизайн. Мы - ее дизайнеры". "Бо Барди, конечно, был не одинок в своих мыслях, о чем свидетельствует новая выставка Crafting Modernity в нью-йоркском Музее современного искусства (MoMA). "Выставка - это жемчужина. Она посвящена домашнему дизайну из шести стран (Колумбия, Аргентина, Бразилия, Мексика, Чили и Венесуэла), произведенному в период с 1940 по 1980 год. Латинская Америка вступила в период трансформации, промышленной экспансии и творчества. Во всем регионе дизайн становился институционализированной профессией, открывая новые возможности, особенно для женщин: "Он способствовал развитию национальной идентичности, улучшал условия жизни бедных слоев населения и позволял сочетать ремесла коренных народов с массовым производством. И да, это также дало новые поводы для дизайна, например, широкого низкого шезлонга, на котором можно недолго понежиться под тропическим солнцем, прижавшись к прохладной земле". "Не помню, когда в последний раз я мечтала о таком количестве красивых стульев. Здесь представлены всевозможные варианты: индустриальная изысканность, фетишистская ручная работа, местные породы дерева и ткани, мягкие, часто остроумные, нежные линии и силуэты. Фотографии дают представление. Но в идеале, если есть возможность, стоит посетить выставку. Она будет открыта до 22 сентября. "В последние десятилетия прошлого века экономический кризис и репрессии нанесли ущерб большей части региона, некоторые из них были результатом подстрекательства ЦРУ, торговые соглашения, такие как Североамериканское соглашение о свободной торговле (NAFTA), привели в упадок многие малые и сельские предприятия, а затем глобализация посеяла еще больший хаос. Знание того, что было потом, придает выставленным работам меланхоличный оттенок". Ана Елена Маллет и Аманда Формент, кураторы выставки "Crafting Modernity", определяют ее как попытку наверстать упущенное время. Они собрали вместе черно-белые фотографии и фильмы о культовых домах, а также проекты таких легендарных личностей, как Бо Барди, Оскар Нимейер, Роберто Бурле Маркс, Gego (впечатляющий черно-коричнево-белый ковер) и Роберто Матта (его крутые зеленые стулья из поролона, собирающиеся как паззлы). "На выставке также представлены дизайнеры, которые не так хорошо известны в этих краях, такие как Клара Порсет, Ги Бонсипе, Мартин Эйслер, Амансио Уильямс, Рикардо Бланко, Кристиан Вальдес, Ольга де Амарал и Хосе Занин Калдас. Занин Калдас, например, был бразильским художником-самоучкой, архитектором и макетчиком, который сменил направление и стал защитником окружающей среды и миссионером ремесленных традиций коренных народов. Он представлен необычным объектом, своего рода диваном дровосека, вырезанным из спасенного ствола дерева, чьи стоящие напротив стулья располагают к беседе и, возможно, нескольким поцелуям. "Бонсипе, как и Бо Барди, Эйслер и Гего, приехал из Европы и провел большую часть своей карьеры в Латинской Америке. Сотрудничество - одна из главных тем "Crafting Modernity", которая отражает волну коллективистского идеализма, захлестнувшую регион в середине века. В начале 1970-х годов Бонсипе руководил сотрудничеством чилийских и немецких дизайнеров, которым Сальвадор Альенде, новоизбранный президент-социалист Чили, поручил перестроить материальную культуру страны в соответствии с социалистическими принципами: "Среди прочего они создали стул для детей ясельного возраста: он был кремово-оранжевого цвета, с крошечным прямоугольным сиденьем, зажатым между двумя треугольными ножками. Стул стал символом прогресса и надежды. Однако весь дизайн-проект внезапно закончился в 1973 году, когда военная хунта захватила власть в Чили в результате кровавого переворота, осуществленного при поддержке ЦРУ". Что касается Порсета, то MoMA использует его кресло 1950-х годов для анонса выставки, что неудивительно. "Кресла произошли от "духос": деревянных ритуальных стульев, использовавшихся для общения с божествами еще в доколумбовы времена. Когда прибыли конкистадоры, они привезли свои собственные стулья. Со временем культуры слились, что привело к появлению бутаке. "Версия Порсета, задуманная, как отмечает Маллет, в "критический момент мексиканской истории, когда дебаты вокруг определения мексиканской идентичности были первостепенными", использует фанеру и плетеные прутья, перерабатывая всю предыдущую историю в модернистскую классику, гладкую и обтекаемую, как гоночный автомобиль". "Я уже говорил о потерянном времени. Это крупнейшее мероприятие MoMA, посвященное современному дизайну Латинской Америки, со времен выставки "Органический дизайн домашней мебели" в 1941 году, которая начиналась как пара конкурсов, один из которых был открыт для американских дизайнеров, а другой - для латиноамериканских, которым рекомендовалось делать акцент на местных материалах и методах. Порсет и ее муж и соавтор, мексиканский художник-монументалист Хавьер Герреро, были в числе победителей латиноамериканского конкурса (MoMA включил в список только Герреро). Родившись в конце XIX века, Порсет училась у Анни и Йозефа Альберсов в колледже Блэк Маунтин в Северной Каролине, где ее посвятили в Баухаус. В Нью-Йорке она присоединилась к членам кубинской революционной хунты, которая в то время базировалась в городе. Поэтому она переехала в Мексику и присоединилась к сообществу дизайнеров и художников, в которое входил Герреро, мечтавший о постреволюционном обществе. "Герреро разделял с Порсет глубокое уважение к региональным ремеслам. Их участие в Organic Design заключалось в создании набора столов и стульев из соснового дерева и ткани - "сельской мебели", как они ее называли, - которые отдавали дань уважения предметам, найденным ими во время посещения домов в мексиканских деревнях. Этих стульев и столов больше не существует, но их рисунки представлены в книге Crafting Modernity, которая продолжает работу над Organic Design. Послание Порсета заключалось в том, что ремесло и промышленность могут и должны работать в гармонии - органично - идея, которая, как и Порсет, связывает выставки MoMA на протяжении восьми десятилетий. "Дизайн есть во всем, - говорил он, - в облаке, в отпечатке пальца, в песке или море, приведенном в движение ветром". "Как я уже сказал, Бо Барди была не одинока в своем видении. Она представлена здесь стулом Bowl 1950-х годов, чья конструкция из пластика и пенопласта покоится на тонком стальном основании с кольцами, которое позволяет чашеобразной части наклоняться и раскачиваться. "Полусфера чаши может напоминать знаменитый так и не построенный памятник Ньютону работы французского архитектора XVIII века Этьена-Луи Буле, хрестоматийный пример идеализма эпохи Просвещения. "Сочетание идеализма и гедонизма указывает на последний аспект выставки - ее легкость духа, которая также отражена на фотографии кресла Bowl с обложки журнала Interiors 1953 года, перепечатанной на предметной этикетке выставки. "На снимке чаша откидывается вверх. Внутри нее лежит женщина, как будто погружаясь в маленькую ванну. Это Бо Барди. "Ее голова отвернута от камеры, ноги скрещены, а ступни естественно свисают через бортик. "Дизайн - это жизнь. "Жизнь - это полнота".