Мусор в «Реколете»: от пыток Берни до «menage a trois» власти

«Разлагающаяся плоть»; «презренный человек или вещь»: так Королевская испанская академия определяет слово carroña (кариес). «Выставка рассматривает карион не как отходы, а как конечную форму: то, что сохраняется, то, что говорит из проржавевшего тела», - пишут Хавьер Вилья и Карла Барберо, сокураторы выставки «Карион - последняя форма», которая открывается сегодня днем в зале Cronopios, самом большом в Centro Cultural Recoleta, и представляет почти столетие аргентинского визуального искусства в тридцати восьми работах одиннадцати художников. Что остается после кариона?« - таким может быть вопрос для чтения выставки: »Разложение, избыток, обострение, гипербола, гиперреализм сопровождают путешествие как постоянная эстетика. Отсылки к различным социально-политическим контекстам появляются через образы, которые ставят человеческое тело в диалог с его обстоятельствами и тем, что они ему приносят". Визуальный репертуар начинается еще до входа в зал: на стене разложены страницы книги «Carroña última forma» романиста и поэта Леонидаса Ламборгини (Буэнос-Айрес, 1927-2009). Текст этой книги, написанной во время социального, политического и экономического коллапса 2001 года, визуально разлагается; слова, предложения и абзацы расходятся по тексту, появляются новые структуры, тишина и ритм. Содержание работы затрагивает тему разлагающегося города и человеческого тела, которое его населяет. Выставка получила свое название от этой книги. "При входе в зал первое, что бросается в глаза, - это два ряда пустых панелей, которые направляют взгляд посетителя к своего рода круглому алтарю с тремя работами. В центре и вверху - «Виктория» (1939), написанная маслом на холсте Ракель Форнер в контексте человеческой драмы Второй мировой войны, которая своим расположением в монтаже естественно приковывает внимание. Изуродованная женщина без рук, ног и головы, окруженная кровью, как распластанная жертва, является женским перевоплощением фигуры Иисуса Христа. Мрачные пейзажи с потрескавшейся землей и засохшими деревьями обрамляют эту сцену ужаса и отчаяния. Что-то в этом пространственном расположении заставляет посмотреть вниз и обнаружить две работы Антонио Берни, которые продолжают историю в другом историческом контексте, в 1976 году, в разгар военной диктатуры в Аргентине. Смерть предстает олицетворенной в виде черепа, волочащего за собой две размозженные головы в пустынном и мрачном пейзаже. Картина под названием La guerra («Война») выполнена в смешанной технике, с использованием найденных материалов и красок по дереву. Рядом с ней снова женское тело, избитое, с взглядом, полным ужаса. Это работа La torturada («Пытки»). Обе работы хранились в Париже до 2023 года, когда они будут выставлены в Буэнос-Айресе, в галерее Cosmocosa. До этого единственный раз, когда «La torturada» была показана публике в Аргентине, состоялся на выставке «Sucesos Argentinos» под руководством Фернандо Гарсии в Национальном музее изящных искусств в Неукене в 2006 году. Именно вокруг этого наполненного ужасом центра организована остальная часть выставки, развернутая энергично, преувеличенно и в разных направлениях. "История продолжается тремя работами Марсии Шварц. Инсталляция Berniada (2001), состоящая из акриловых красок, дерева, газетных вырезок, банок с краской, кистей, шпателей, мусорных пакетов, картона и других выброшенных материалов, предлагает нам задуматься о том, что происходит после смерти художника, куда деваются его материалы, его банки с краской, его кисти. Название также является прямым указанием на мастера соцреализма в Аргентине. "Мне показалось любопытным то, что Марсия сказала о моменте смерти художника. Берни был единственным, кто был завуалирован здесь, в Реколете", - добавляет куратор о художнике, которому, кстати, на прошлой неделе исполнилось бы 120 лет. Постер с надписью «2001» буквально намекает на то, что работа также олицетворяет крах, который так глубоко запечатлел аргентинскую историю. Другая женщина в Шварце снова воплощает ситуацию страха. Она кричит, отчаянно, испуганно, жалобно. Работа под названием O ya (2019) не содержит никаких ссылок на конкретный контекст. "Художники немного увеличивают громкость. Иногда эта гипербола связана с избытком откровенных или прямых вещей, как в «La torturada», а иногда с переходом реализма в сюрреализм, фантазию или басню", - продолжает Вилья в интервью LA NACION во время тура. "Объем продолжает расти. Фигуры человеческого тела усугубляются, искажаются, расширяются, становясь похожими на фантастических существ, как это происходит в работе «Menage a trois» (2023) Тобиаса Грязного (Villa Gesell, 1990). История этого века продолжает возрождаться. В работах Дирти возвращаются пережитки долларизации и конституционной реформы 1994 года с присутствием таких фигур, как Кавальо, Менем и Альфонсин; вновь появляются образы трагедий, таких как трагедия в Кроманьоне. "Более политические фигуры, такие как Билл Клинтон или Видела, оживают на фотографиях Марески, благодаря кураторскому переосмыслению его работы Imagen pública. Altas esferas", фотомонтаж этого художника, который в 1993 году покрыл стены и потолки этого культурного центра изображениями политических, военных и деятелей шоу-бизнеса, и который сегодня вернулся. Ее тело, в данном случае обнаженное, также присутствует на фотографии, где она позирует с изображениями всех этих личностей на заднем плане. "В скользкой, макабрической, несимпатичной и гротескной манере появляются загадочные образы, которые могут быть связаны с Хавьером Милеем и его собаками. Это работы художницы Вероники Гомес (Буэнос-Айрес, 1978), похожие на те, которые несколько дней назад - по сообщениям некоторых СМИ - были подвергнуты цензуре в аргентинском дипломатическом представительстве в Китае. "Она работает над воображаемыми образами власти, обращаясь к литературе, истории искусства, барокко, символизму. Я думаю, что больше всего на свете она призывает к использованию свободной интерпретации", - говорит Вилла об этих работах. Изображения органов, таких как печень и сердце, завершают серию работ Гомес, дополняя эстетику этого кураторского предложения. "Весь этот путь пролегает между белыми стенами, которые, поднимаясь вверх, постепенно становятся темно-серыми, пока не покрывают потолок черным цветом, как будто над этим местом движется облако дыма, непрозрачная тень окутывает пространство, или как будто ночь закрывает свет дня. Этот кураторский жест явно ведет диалог с ситуациями токсичности, которые на протяжении истории неизбежно переживает или воспринимает каждая эпоха. Но что происходит, когда небо проясняется? Если сон понимается как то, что остается от ночи, как ее остаток или отходы, то что сохраняется, когда восходит солнце и рассвет уносит ночь, а сны гаснут? В период с 1948 по 1951 год некоторые читатели журнала Idilio присылали свои сны социологу Джино Джермани, директору еженедельника, чтобы он их истолковал. Художница Грете Штерн увековечила эти истории в образах с помощью 150 фотомонтажей, три из которых можно увидеть в этом случае в большом масштабе. В одной из них угроза нависает в виде льва, в другой - усилие, как камень, и, наконец, головокружение, как пропасть. «Что же происходит после израненного тела, как в „Победе“ Форнера или »Мучительнице" Берни? Что происходит после остатков историй, как в монтаже Марески, или когда реальность растягивается, как тела в Dirty? Что происходит после ужаса, как у жены Шварца, или угрозы и головокружения, которые испытывают женщины в фотомонтажах Штерна? Что сохраняется после краха власти, когда слов недостаточно, чтобы назвать мир, и они рассеиваются, распадаются, пока не разложатся, как в книге Ламборгини? Что остается, в конце концов, после кариона? В Cronopios остаются разорванные линии, открытые пятна, цвета, выброшенные материалы, ассамбляжи, разложенные слова. Сохраняется ведро с краской, остатки палитры художника, его руки, его глаза. Мечты сохраняются. Творческий нерв сохраняется, ускользая между геометриями, иногда квадратными, как картины... бесполезными, прекрасными, ужасными и удивительно человеческими. «От Карроньи до Арте Рата» Наряду с Карроньей были открыты еще две выставки: «Арте Рата» в зале 4 - коллективный проект, исследующий симбиоз крысы и художника и изучающий, как крыса и художник одинаково исследуют город, ставя в диалог произведения XX и XXI веков. С другой стороны, выставка «Прощание с живым» - первая персональная выставка художника Франсиско Монтеса (Буэнос-Айрес, 1995), представляющая световые рисунки и скульптуры с живыми организмами, которые исследуют субъективность, силу и неопределенность современного мира. Выставка проходит в зале № 10 культурного центра. «Культурный центр Реколета», Хунин, 1930. Со вторника по пятницу с 12 до 21 и по субботам, воскресеньям и праздникам с 11 до 21, бесплатный вход для жителей и аргентинцев.«»«»