Габриэль де ла Мора исследует смысл смерти в большой осенней выставке Музея Jumex

Габриэль де ла Мора (Мехико, 1968) говорит, что его дислексия лежит в основе его интереса ко всем точкам зрения, к двойственности объектов и реальности. Например, мексиканский художник отмечает, что его fascinates думать о том, что человек может умереть еще до своего рождения, как это случилось с его сестрой, которая умерла в утробе матери, не увидев света. Он добавляет, что бывает и наоборот. Объекты, которые умерли давно, когда перестали выполнять функцию, для которой были созданы, внезапно обретают новую жизнь благодаря манипуляциям с ними. На этой идее и основано его искусство. «Для многих смерть — это конец чего-то, для меня — начало. Мне нравится, как произведение может быть создано за 130 лет до моего рождения», — резюмирует создатель. Его выставка La petite mort (Маленькая смерть), состоящая из 87 работ, охватывающих более 20 лет творчества, — это большая ставка Музея Jumex в мексиканской столице на эту осень. Центр современного искусства открыл ее в среду вместе с остальной частью каталога сезона, который включает выставку французской художницы Эльзы-Луизы Мансо, документальную ретроспективу итальянской художницы Тины Модотти и коллекцию Jumex, в которую входят работы, недавно приобретенные галереей. Название выставки отражает суть этой двойственности. «Маленькая смерть» — это эвфемизм, которым во французском языке обозначают оргазм, «чувство потери или отречения, которое может вызвать физическое удовольствие в момент его пика», как говорится в представлении выставки. «Оргазм — это единственный момент, когда человек не думает. Это секунда, когда время также растягивается на гораздо более длительный период», — отмечает Де ла Мора, проводя аналогию между двумя видами смерти. Для Тобиаса Острандера, куратора выставки, идея заключалась в том, чтобы «поднять вопросы о том, какие навязчивые идеи стоят за произведением, пытаясь смешать или спутать эстетическое удовольствие с эротическим». Желаемый эффект отсылает к «удовольствию от текста», о котором говорил французский писатель Ролан Барт, считавший petite mort стремлением любого художественного выражения. Выставка, состоящая из шести частей — «Тела», «Стирание», «Тепло», «Грань желания», «Осязание» и «Удовольствие зрителя» — использует различные техники и материалы для достижения этой цели. Некоторые из них граничат с эксцентричностью, как, например, 3D-печать 17 человеческих черепов, принадлежащих его семье, на основе томографических снимков биологических членов семьи. Для создания инсталляции ему пришлось эксгумировать и отсканировать крошечные останки своей сестры и полуразложившиеся останки своего отца, оба из которых были уже мертвы. Однако список длинный. Здесь есть керамические плитки, разбитые под весом тела Де ла Мора, волосы его родственников, ткани, натянутые на дерево, фрагменты панно из льна или алюминия, подошвы обуви, тысячи кусочков обсидиана, стикеров или крыльев естественно погибших бабочек. Есть также бумаги, сожженные до состояния почти угля, но не настолько, чтобы распасться. «Это настолько хрупкое, но в то же время вечное произведение, что фотограф испытывал напряжение, думая, что свет вспышки может его разрушить. Мне такие напряжения кажутся чудесными», — объясняет художник. Серия сожженных бумаг знаменует собой начало того момента, когда мексиканский художник начал отказываться от необходимости контролировать свою работу. «Я начинал действие, а все остальное происходило случайно», — говорит он. «Я начал обсуждать с реставраторами, какие условия благоприятны для искусства. Если мы вкладываем столько ресурсов в поддержание чего-то в определенных условиях, что произойдет, если мы сделаем прямо противоположное? Если мы должны контролировать влажность, давайте подвергнем его граду, дождю, пеплу вулкана Попокатепетль и посмотрим, что произойдет», — продолжает он: «Результаты были потрясающими». Результаты включают в себя глубоко абстрактные работы и другие, которые дают место портретам, где человеческая форма четко выделяется на фоне, который ее окружает. Все это без утраты из виду наследия, которое оставила ему его архитектурная подготовка. «Я оставил архитектуру 30 лет назад, но понял, что должен вернуться к ней, не как архитектор, а как художник», — говорит Де ла Мора. В его распоряжении находится сама архитектура музея: весь последний этаж центра современного искусства, где с этого четверга и до 8 февраля будут выставлены его работы. Французская художница Эльза-Луиз Мансо (Париж, 1985) назвала свои работы «радио-картинами», теми, «которые не могут существовать без звука, без проекции». Ее выставка состоит из трех абстрактных картин, на которых в течение 30 минут накладываются текстовые сообщения, воспроизводящие — на испанском, английском и французском языках — аудиозаписи, которые звучат на языке оригинала, на котором они были записаны, из динамика: все это реальные записи, которыми она обменивалась со своими друзьями. «Это позволило мне гораздо глубже погрузиться в размышления, потому что речь идет о повседневной жизни», — объясняет создательница. «Многие люди говорят мне, что у них нет времени, что мы не можем встретиться и что нам придется отменить встречу. То есть они ничего не говорят. Вы ничего не узнаете из этих записок, но почувствуете тон голоса, теплоту, степень близости, близость. Мне это показалось очень ценным и красивым, потому что, хотя ты не знаешь этих людей, есть люди, которые обращаются к тебе так же, как эти люди обращаются ко мне», — продолжает она. Мансо исследует живопись как средство коммуникации само по себе, «возможно, первое, которое позволяет нам взаимодействовать», — говорит она. Его больше всего интересует вопрос о том, является ли живопись современной. Каким образом она отражает эпоху, в которой мы живем, постоянные изменения, которым мы подвергаемся. «Что делает что-то устаревшим или историческим?», — спрашивает он. Его работа находится в этих серых зонах, на границе между информативным и эмоциональным, публичным и частным, онлайн и офлайн, и он проецирует это в виде риторических вопросов на своих картинах. «Когда содержание перестает быть информацией?», — гласит один из них. «Является ли живопись социальной сетью?», — спрашивает он в другом.