Клаудио Толкачир - от голого дебюта в Монтевидео до одного из великих аргентинских театралов современности.

Несмотря на то, что это может показаться клише, склонным к преувеличению, Клаудио Толкачир - одно из великих имен современного аргентинского театра. И он не перестает это доказывать. Согласно официальной биографии Толкачира, 49-летнего актера, режиссера, педагога и драматурга, основанной им в 1998 году театральной компании и школы Timbre 4, которая уже имеет филиал в Мадриде. Он сыграл более чем в 30 спектаклях под руководством Даниэля Веронезе, Нормы Алеандро, Карлоса Гандольфо и Роберто Вильянуэвы. Он был режиссером многих других. А в марте на улице Корриентес состоится премьера спектакля, ради которого уругвайцы поедут в Буэнос-Айрес, если он еще будет дешевым: "Лучше не говорить" с Мерседес Моран и Иманолом Ариасом. По его словам, он собирается привезти его в Уругвай. Перед этим он возвращается в Монтевидео для единственного представления "Рабиа", монолога по роману Серхио Биццио, в котором Толкачир выступает в качестве актера, а также сорежиссера (вместе со своим партнером Лаутаро Перотти). Это произойдет в этот четверг в El Galpón в 21.00, а билеты в Tickantel варьируются от 1250 до 1750 песо. В нем он играет Хосе Марию, каменщика, охваченного гневом, который прячется в доме, где его девушка работает горничной. Премьера фильма состоялась в Испании. О Рабии, молодежной обнаженной натуре в Уругвае, и других вопросах Толкачир беседовал с El País из небольшого бара в Буэнос-Айресе. -В одном из старых интервью El País вскользь было сказано, что в Монтевидео он дебютировал "голым" в спектакле в театре Stella. Не могли бы вы рассказать об этом подробнее? -Это абсолютная правда. В 2001 году я увидел в газете объявление о кастинге на спектакль в театре "Майпо" с Нормой Леандро и Хорхе Маррало в постановке Альберто Вильянуэвы. Нас было около 500 очень молодых парней, и прослушивание заключалось в том, чтобы выйти на сцену голым и произнести монолог. Я был очень молодым, очень худым и очень хотел что-то делать, и все это вместе взятое привело меня в спектакль. Это было очень важно для меня, потому что это был мой первый опыт в театре, скажем так, коммерческом, и я должен был играть в пьесе Эдварда Олби, что было очень рискованно, и там были Норма и Хорхе. Это было начало многих вещей и понимания коммерческого театра совершенно особым образом. И среди чудесных событий, произошедших со мной, - встреча с этими коллегами, дружба на всю жизнь с Нормой, которая впоследствии будет руководить мной, а я - ею, - было первое турне, которое я совершил как актер. Помню, как мы ехали в автобусе с маленькими чемоданами, чтобы показать несколько спектаклей в Уругвае. Это было чудесно. -Это также весьма символично, что вы вышли на сцену и оказались обнаженным перед новым этапом своей карьеры... -Помимо обнажения, которое длилось несколько минут, это была очень современная, очень сложная, очень рискованная пьеса. В ней рассказывалось о двух пожилых людях, которые влезли в голову молодой пары, у которой только что родился ребенок, чтобы забрать его у них и заставить забыть о том, что он у них был. Так что я бы сказал, что мои первые отношения с коммерческим театром были связаны с одной из тех пьес, которые можно поставить где угодно, в Timbre 4 или El Galpón. Это было очень важно, потому что оставило во мне след, что в коммерческом театре можно заниматься и другими видами деятельности, и я всегда старалась делать то, что мне было интересно". -Альби в коммерческом театре. Это все еще возможно? Как изменилась публика в Буэнос-Айресе? -Сейчас произошла очень большая потеря в отношении коммерческого театра и его аудитории. Я вспоминаю спектакли, которые я смотрел, когда был ребенком, - прекрасные актеры, прекрасные тексты. Я сам был режиссером спектаклей "Агосто", "Буэна генте", "Тодос эран ми хихос". И я не думаю, что это можно сделать сегодня. Дело даже не в продюсерах: нет аудитории для более сложной, более болезненной или более трогательной пьесы. В силу времени, в котором мы живем, публика ищет в больших театрах уклончивости, веселья, смеха. И поэтому отношения между более театральной публикой и коммерческим театром были утрачены, а публика, которая ищет вызовы, сложные тексты или актеров, которые идут на определенный риск, осталась в независимом театре. Я могу сказать по тем вещам, которые мне предлагают: они проще, и я не чувствую мотивации их делать. Поскольку у меня есть привилегия выбирать, чем заниматься, я отошел от этого". -Возможность смеха становится все более заметной в вещах, которые до этого звучали как драма. Это то, что ищут зрители? -Смех имеет фундаментальное значение, и не только в смысле комедии. Это способ найти общий код, особенно для боли. Смех очень смущает в этом диалоге между зрителями и актером. В этих текстах, которые нам нравятся, например, в "Рабии", неловко, потому что смеешься горьким смехом, сам не зная над чем. Смех - это не просто коммерческое паллиативное средство: Мольер говорил, что когда вы открываете рот, чтобы засмеяться, вы открываете голову и думаете. Когда человек пытается, как это люблю делать я, пройти по грани патетического, между болью и абсурдом, этот смех создает соучастие. И иногда не остается ничего другого, как смеяться, чтобы глубже погрузиться в происходящее. -Я помню роман "Рабия" как сильный, вопросительный. Почему вы выбрали именно его? -У меня все чаще случаются проекты, в которых меня просят стать режиссером, и особенно если мне нравится актерский состав и текст, я хочу это сделать. Но есть и другие проекты, такие как "Рабия", которые рождаются в результате поиска того, где находится желание, что заставляет вас хотеть делать. И это что-то, чем вы увлечены, что бросает вам вызов, что-то новое. -А что побудило вас к работе над "Рабией"? -Многое. Я давно хотела сделать литературную адаптацию, потому что пыталась и не смогла, и мне показалось, что это отличная возможность попробовать, каково это - адаптировать роман для театра. К тому же я очень хотел играть на сцене, чего не делал уже очень давно. Мы никогда не делали ничего такого, чтобы Лаутаро был режиссером, а я - актером. Обычно я играю, я режиссирую, а Лаутаро играет. Так что это тоже было в новинку. И я никогда не ставил монолог. Я прочитал "Рабию" лет 10 или 15 назад, и она прикипела к моей коже: в ней очень сильные образы, она очень страстная, очень скрупулезно прорабатывает историю персонажа. И у меня случилось своего рода откровение. Однажды ночью я проснулся и сказал себе: "Это Рабия, это монолог, и он должен быть сделан". -А что такое Рабия? -В таких проектах ты начинаешь плавать в неизведанных водах. У него много сторон. Это триллер, потому что здесь есть убийства, скрытый персонаж. Долгое время герои, живущие в этом особняке, не знают, что они живут с кем-то, кто скрыт в тени. И в то же время, несмотря на то, что у героя есть очень жестокая сторона, он также проходит эволюцию в отношении своей сущности, потому что учится жить, скрываясь, а также обнаруживает себя любящим и думающим, и это, как говорит Биццио, его великая революция. Он открывает в себе нежность, необходимость, способность рассуждать, способности. Он - персонаж, который растет вовне и внутрь, и таким образом проходит огромную эволюцию. Насилие - еще один из завораживающих цветов, позволяющих монологу иметь отвратительные, опасные, удушающие и трогательные моменты. И много смеха. Иными словами, целый ряд тех моментов, которые человек мечтает сыграть в один прекрасный день.