Лучано Супервиель: проект, который предлагает взглянуть на Монтевидео глазами ребенка, и новый альбом Bajofondo

В последние годы Лучано Супервиель нашел новые возможности для расширения своего творческого мира. Наряду со своими сольными проектами и работой с группой Bajofondo он сочинял музыку для кино и театра, а теперь перед ним стоит новый вызов: поставить на сцене спектакль «Город, который мечтает» — книгу, созданную им совместно с писательницей Элоисой Касанова и иллюстраторкой Лаурой Карраско. В среду и четверг в 17:00 музыкант представит в зале «Сала Верди» премьеру спектакля для всей семьи, в рамках которого впервые вживую прозвучит оригинальная музыка, написанная специально для этого произведения. В сопровождении струнного квартета концерт будет сочетать музыку, чтение отрывков и видеопроекции, чтобы перенести на сцену мир книги, предлагающей открыть для себя Монтевидео с другой стороны: через мелкие детали и звуки, которые обычно остаются незамеченными. Билеты в продаже на Tickantel по цене 500 песо. Изданная Alfaguara и доступная в книжных магазинах книга «Город, который мечтает» родилась из идеи, которую Супервиель начал развивать в 2021 году: записать характерные звуки Монтевидео и превратить их в опыт, в котором музыка, литература и иллюстрация вступают в диалог друг с другом. В результате получилось произведение, главными героинями которого являются две девочки, путешествующие по Старому городу и открывающие для себя мир, в котором сосуществуют отсылки к уругвайской культуре, знаковые места и музыкальное сопровождение, доступное при сканировании QR-кода. В преддверии этих выступлений Супервиель рассказал о том, как зародился этот проект, о том, как несколько лет, проведённых за границей, повлияли на его творчество, о нынешнем состоянии группы Bajofondo и о вызовах, связанных с дальнейшим освоением новых художественных средств. —Выступление перед детской аудиторией — это опыт, отличный от других концертов. В чём его особенность? —Это прекрасно. Каждый раз, когда мы проводим мероприятие с детьми, возникает очень интересный диалог. Эта публика постоянно удивляет: очень сложно поставить себя на их место, и это — прекрасное испытание, потому что нужно очень четко осознавать, кто тебя слушает. Я всегда вспоминаю фразу Артура Рубинштейна. Он говорил, что играл, думая о том, что в зале есть хотя бы один человек, с которым у него возникнет глубокая связь. Мне очень нравится эта мысль. Неважно, играешь ли ты перед тысячами людей или перед десятью: если тебе удается тронуть хотя бы одного человека, ты уже нашел причину для того, чтобы заниматься тем, чем занимаешься. Это дает тебе мотивацию воодушевляться тем, что ты делаешь, и получать от этого удовольствие. И мы также задумывали спектакль так, чтобы взрослые могли сопереживать и наслаждаться этим опытом. —«Город, который мечтает» приглашает найти красоту в повседневной жизни, ценить то, что нас окружает. Мне кажется, что этот взгляд пронизывает значительную часть твоего творчества. Ты так считаешь? —Да, этот взгляд сопровождает меня уже много лет. Возможно, с самого начала моего сотрудничества с Агустином Феррандо из «Tiranos Temblad» я научился именно так находить красоту в повседневной жизни. Иногда достаточно просто быть внимательным, чтобы она проявилась. В этой книге много именно этого: взгляд на город с более поэтической точки зрения и внимание к вещам, которые не бросаются в глаза. Здесь есть скрытые предметы и персонажи; ты играешь с этой идеей... —Как Фелисберто Эрнандес и его крокодил на ярмарке... —Фелисберто! (Смеется) Это приглашение посмотреть на Монтевидео с другой точки зрения, глазами ребёнка. Эту способность воображать стоит постараться никогда не утратить. —Ты несколько лет прожил за границей. Считаешь ли ты, что это пребывание за границей изменило твой взгляд на Уругвай? —Да, без сомнения. И изменилось не только мое отношение к уругвайской музыке, но и мой взгляд на мир в целом. Мне посчастливилось много путешествовать: сначала в детстве и юности, по разным обстоятельствам, а потом уже как музыкант. Это научило меня улавливать суть каждого места, куда я приезжаю. Иногда в городе приходится проводить совсем немного времени, и это заставляет тебя быть очень внимательным, чтобы унести с собой что-то: пейзаж, музыку, вкус или разговор с незнакомцем. Я всегда очень хорошо это осознавал. Думаю, именно это любопытство сформировало меня как артиста и как человека. Многое из этого отражено в моей музыке. —Ты помнишь момент, когда этот взгляд начал проявляться в твоей музыке? —Это было тогда, когда я начал работать с Хорхе Дрекслером. Я уже был эмигрантом, а ему очень хотелось рассказать о том месте, откуда он родом. Когда я в 19 лет снова уехал во Францию, до меня как-то дошло, насколько ценно всё то культурное наследие, с которым я вырос в Уругвае. По сравнению с коллегами моего поколения, которые занимались чем-то подобным в Париже или Мадриде, этот багаж давал мне бесценные инструменты. Именно тогда я начал вплетать его в свою музыку. Потом появилась группа Bajofondo, которая уделяла большое внимание музыке этих земель и богатству культурного смешения. Со временем я понял, что любой инструмент, который ты используешь, в конечном итоге обогащает твой музыкальный язык. Главное — быть искренним в том, что ты делаешь. —Ты только что упомянул Bajofondo. На «Ohm», новом альбоме группы, вы отдаете дань уважения кумирам разных поколений, таким как Венди Карлос, Астор Пьяццолла, Pet Shop Boys и Пьер Анри. Что эта работа значит для вас? —У этого альбома много граней, но я бы сказал, что его главная цель — отстаивать электронную музыку с человеческой точки зрения. Это может показаться противоречием, но сегодня чрезвычайно ценно мыслить в таких категориях — в мире, который становится всё более автоматизированным, в том числе и с творческой точки зрения. Все артисты, которым мы отдаём дань уважения, были авангардистами, которые в своё время столкнулись с огромными преградами консерватизма. Им говорили, что то, чем они занимаются, — это не музыка, или что это не может быть музыкой, способной трогать душу. Сегодня эта дискуссия вновь приобретает особую актуальность, поскольку творчеству угрожает серьезная опасность. Мы отнюдь не выступаем против искусственного интеллекта или технологий — напротив, мы их поддерживаем. Это мощные инструменты, при условии, что человек умеет заставить их работать на себя, не поддаваясь ни течению, ни диктату общественных тенденций. Если вы остаетесь индивидуальностью и вам есть что сказать, нужно просто заставить их работать на себя. Это одна из главных идей Ohm. —В июне ты представил проект «Piano Piano» с Андреа Аробба, а в августе вернёшься с «Suma Camerata». Создаётся впечатление, что тебе всё больше интересно творить вместе с другими артистами, чем развивать сольные проекты. Что ты находишь в такой совместной работе? —Это осознанное решение. К этому списку я бы добавил театр и кино, где ты также работаешь с другими творческими людьми. Меня всегда привлекала возможность обмениваться мнениями с людьми, у которых другие взгляды, другое видение и другая чувствительность. Это связано с любопытством и потребностью исследовать новые территории. Мне нравится думать, что то, чем я занимаюсь сегодня, отличается от того, чем я занимался 10 лет назад. И, надеюсь, через 10 лет я буду исследовать неожиданные области. —В спектакле «Piano Piano», который прошел двумя представлениями в Театре Солис, ты решился импровизировать, танцевать и раскрыться в необычной для себя манере. Что тебе дал этот опыт? —Это был огромный вызов. Андреа — очень смелая, экспериментальная и отважная артистка, которая умеет вести себя на сцене так, как я никогда раньше не пробовала, например, пуститься в танец в Театре Солис (смеется). Мне это показалось прекрасным, и я испытываю к ней огромное восхищение. Было непросто работать в таком ключе — импровизировать и экспериментировать, осмеливаться выходить за рамки и избавляться от страха показать свою уязвимость. Это чудесно в жизни: если человек может показать свою уязвимость наряду со своими сильными сторонами, в этом есть что-то очень человеческое. В некотором смысле со мной произошло противоположное тому, что я пережила с Филармонией на той же сцене. Там всё строго регламентировано: нужно играть точно то, что написано, и быть полностью синхронизированным с другими 60 людьми. С Андреа было много пространства для риска и импровизации. Как музыкант я чувствую, что движусь по промежуточному пути между этими двумя мирами. —Возвращаясь к концепции Ohm, ты говоришь о том, чтобы отстаивать электронную музыку с человеческой точки зрения. Каждый раз, когда я вижу тебя на сцене, мне кажется, что даже среди синтезаторов, сэмплов и скретча всегда проскальзывает что-то очень личное. Что там происходит? Что ты чувствуешь, когда эти два мира сталкиваются? —Я стараюсь чутко использовать все инструменты. Но опыт живого выступления по-прежнему неповторим. Вместе с Хуаном Касановой у нас есть проект «Синестезия», в котором мы используем ароматы, чтобы расширить этот опыт. Даже если снимать концерт на мобильный телефон, тебе никогда не удастся передать то, что там происходит. Этот момент, эта связь между сценой и публикой, по-прежнему незаменима. В этом и заключается одна из самых ценных сторон музыки.